Par Boran Zaza, directrice des communications et du développement d’Orchestres Canada
Classical:NEXT (C:N) est le plus grand rassemblement mondial de professionnels de la musique classique. Traditionnellement, il a eu lieu dans différentes villes européennes chaque année – en 2024, C:N a fait de Berlin, en Allemagne, son siège permanent. C:N propose des sessions de conférence, des vitrines, des rencontres et des présentations de projets. Plus de 1400 professionnels de la musique classique de 49 pays ont assisté à cette édition – leur plus grand rassemblement à ce jour, après une pause en 2023 pour réfléchir à « quelle est la prochaine étape? »
Du 13 au 17 mai, j’ai eu le privilège d’assister à C:N pour la première fois, grâce au généreux financement du Conseil des Arts du Canada dans le cadre du Perfectionnement des professionnels des arts : Appuyer la pratique artistique. En tant que personne dans le domaine de « l’organisation de conférences », je dois dire que j’ai été très impressionnée par l’ampleur de cet événement, la variété des sessions offertes et la pléthore d’expériences présentes dans le même espace! Il y en a pour tous les goûts à C:N. Mes principaux intérêts étaient les sessions de conférence axées sur l’avenir des orchestres, et il y en avait beaucoup. Trois thèmes clés propres à l’orchestre sont ressortis des séances auxquelles j’ai assisté :
- Modèles de leadership dans les orchestres
- Durabilité environnementale
- Nouveaux publics : Comment les retenir?
Le thème de la diversité, de l’équité, de l’inclusion et de l’appartenance était également présent, en particulier lors de la rencontre mondiale des orchestres à laquelle j’ai assisté. Le féminisme dans la musique classique était un autre sujet de discussion et d’intérêt, sur lequel j’ai assisté à une session fascinante.
Dans ce premier article de blog, je me concentrerai sur le premier thème : Les modèles de leadership dans les orchestres.
Pas de chef d’orchestre, pas de chaises, pas de partitions
Le jour de l’ouverture du C:N dans la nouvelle salle de concert de Berlin, Saal Pierre Boulez (ouvert en 2017), 5 présentations ont eu lieu. Celui qui m’a le plus marqué était Stegreif, l’Orchestre symphonique d’improvisation d’Allemagne. Stegreif est un collectif de 30 musicien.ne.s, qui « combinent l’héritage des compositions classiques avec l’improvisation et considèrent la symphonie classique comme le point de départ d’une nouvelle expérience de concert ». La présentation de Stegreif s’appelait « La Symphonie du changement » et était basée sur les œuvres de 4 compositrices : Hildegard von Bingen (1098-1179), Wilhelmine von Bayreuth (1709-1785), Emilie Mayer (1812-1883) et Clara Schumann (1819-1896). Stegreif a commencé par interpréter chaque pièce telle qu’elle avait été composée à l’origine, puis la transcription originale a divergé et a ouvert un espace pour l’improvisation, complétée par une chorégraphie.
Photo: twinematics
Leur performance était immersive : dans la salle de concert ovale, les musicien.ne.s se promenaient pieds nus, entre le public, tous se dirigeant et se suivant sans chef d’orchestre. Leur énergie était contagieuse… c’était comme une grande fête de musique classique entre ami.e.s! Même les violoncelles avaient des tabourets avec des roues qui leur permettaient de se déplacer. Cela m’a rappelé l’ensemble montréalais Collectif9 qui se produit également debout et sans partitions ni chef d’orchestre. Stegreif a pris ce concept de ne pas avoir de chef d’orchestre et la liberté musicale tout en jouant à un tout autre niveau pour créer une expérience vraiment immersive, et leur ensemble est composé d’environ 2/3 musicien.ne.s classiques et 1/3 musicien.ne.s de jazz – je n’avais jamais rien vu de tel auparavant!
Le lendemain, toujours en effervescence de cette expérience musicale unique, j’ai assisté à une session de conférence intitulée Leading and Following in the Orchestra : Models beyond the traditional hierarchy, présentée par Stegreif. Les 3 conférenciers étaient le directeur artistique, Lorenz Blaumer, la directrice générale, Lorina Strange et leur batteur de jazz et compositeur, Hiromu Seifert. Au cours de cette séance, Stegreif a parlé en détail de leur philosophie, de la façon dont ils travaillent ensemble, de leur médiation artistique et de leurs efforts de sensibilisation communautaire, de la gouvernance, de l’équité salariale, entre autres sujets.
Voici les principales leçons que j’ai tirées de cette présentation :
1. Le leadership collectif se fait sur scène et, surtout, hors scène
Le résultat final que nous voyons sur scène lorsque nous assistons à une performance de Stegreif est impressionnant, avec des musicien.ne.s qui se dirigent et se suivent sur scène de manière transparente. L’atteinte de ce résultat nécessite l’implication de tous les musicien.ne.s dans la prise de décision, artistique et autre, sur et en dehors de la scène. Tous les musicien.ne.s participent à la mise en forme de la performance et les répétitions sont dirigées par des personnes différentes (même pour le même travail). Les musicien.ne.s participent également à « Future Days », où ils partagent (et parfois se disputent) sur leurs valeurs et leurs objectifs artistiques.
2. La médiation intérieure est aussi essentielle que la médiation extérieure
Vous connaissez probablement la médiation artistique et la sensibilisation communautaire. Mais qu’est-ce que la médiation intégrée?
La médiation intégrée est l’interaction de la culture de gestion collective, du travail artistique et de la médiation. Il comporte 2 composantes :
- La médiation extérieure, qui est souvent fait par de nombreux orchestres à travers le Canada avec des programmes présentés dans les écoles, les centres communautaires, les maisons de retraite, les hôpitaux et plus encore.
- La médiation intérieure, c’est-à-dire apprendre les uns des autres au sein de l’orchestre. Pour cela, chaque musicien joue un rôle de leadership dans l’éducation de ses collègues à travers un atelier ou un séminaire sur un sujet pertinent pour l’orchestre.
Le résultat des deux médiations différentes aide à éclairer les décisions artistiques de l’ensemble.
3. L’égalité salariale n’est pas synonyme d’équité salariale, mais c’est un bon point de départ
Chez Stegreif, tous.tes les musicien.ne.s sont payés également. Cela a bien fonctionné pendant un certain temps, mais comme certains membres de l’orchestre avaient des enfants, le salaire « égal » ne répondait pas aux disparités dans les situations de vie. Par exemple, lorsque l’orchestre part en tournée, qui paie pour la garde d’enfants de ceux qui en ont besoin? Tout peut être discuté à Stegreif. Alors maintenant, en tournée, l’orchestre paie pour l’hébergement et le vol d’un.e gardien.ne, mais pas les frais de gardien.ne. Ils encouragent les musicien.ne.s à amener un membre de la famille pour s’occuper des enfants.
Pour les salaires du personnel, le conseil d’administration (composé de 5 musicien.ne.s) décide du montant du salaire du personnel.
4. Le leadership collectif ne concerne pas un style de leadership : il s’agit de savoir quand utiliser quel style de leadership
Chaque musicien.ne de Stegreif sait exactement quels sont les 5 modèles de leadership : démocratique, participatif, autocratique, charismatique et naturel (basé sur les compétences). En éduquant tous les musicien.ne.s sur ces modèles de leadership, ils comprennent exactement quelles stratégies sont employées quand, pourquoi elles sont utilisées et comment être de meilleurs adeptes lorsqu’un certain style de leadership est utilisé. Par exemple : les musicien.ne.s co-créent une nouvelle œuvre dans un style démocratique, mais les conversations prennent plus de temps que prévu, le spectacle est le lendemain, et les décisions exécutives doivent être prises rapidement – les musicien.ne.s savent exactement comment réagir à cela et comment s’entraider, qu’ils dirigent ou suivent, pour s’assurer que le spectacle est prêt à temps.
5. L’ingrédient magique : S’amuser ensemble!
L’équipe Stegreif rayonne d’une fierté unique dans leur pertinence, leur appartenance et faire une différence pour chaque musicien de cet orchestre. La confiance qui s’est construite au fil des ans entre les musicien.ne.s et leur sentiment d’appartenance à leur orchestre en font plus qu’un travail : c’est la famille et les ami.e.s. Souvent, après la répétition, les musicien.ne.s resteront pour improviser ensemble et s’amuser. L’un des sujets qui a été abordé tout au long de C:N était de savoir comment garder les musicien.ne.s d’orchestre engagés et inspirés tout au long de leur carrière, et Stegreif est certainement sur quelque chose à travers leur modèle de leadership!
Vous pouvez en savoir plus sur Stegreif sur leur site Web.
Vous pouvez voir des vidéos de ce qu’est une expérience de concert Stegreif ici.
Et si les orchestres appartenaient à des musicien.ne.s?
L’autre séance de la conférence qui portait fortement sur les modèles de leadership s’intitulait A Vision for the Symphony Orchestra : Transformative Leadership and Collective Innovation in Orchestral Music. Parmi les panélistes figuraient Simon Webb, chef d’orchestre et de chœurs à la BBC et Fiona Stevens, PDG de Concerto Köln. Le panel était présidé par Karsten Witt, directeur général de Karsten Witt Musik Management GmbH.
À Londres, au Royaume-Uni, les quatre principaux orchestres (Royal Philharmonic, London Symphony, London Philharmonic et Philharmonia) sont détenus et gouvernés par les musicien.ne.s. Simon Webb a parlé de la façon dont lui, un septième violoncelliste, s’est retrouvé dans un rôle de leadership en tant que membre du conseil d’administration sans aucune expérience préalable en leadership
Fiona Stevens était une figurante au Concerto Köln. Elle a changé de carrière pendant la pandémie lorsque le poste de PDG de cet orchestre a ouvert ses portes. Elle fait actuellement un MBA en innovation artistique au programme Global Leaders pour combler les lacunes dans la formation qui ne l’ont pas nécessairement préparé à un poste de leadership.
Ce sont 2 cas de musicien.ne.s qui se retrouvent dans des rôles de leadership avec de nombreuses responsabilités, sans avoir de formation formelle ou de préparation pour les gérer. Les deux exemples ici sont en plein essor, mais il leur a fallu beaucoup de courage, de temps et de travail acharné. Cela soulève la question suivante : comment pouvons-nous mieux préparer les musicien.ne.s à des rôles de leadership pour lesquels leur formation musicale ne les a pas préparés?
Voici quelques-uns des principaux points de discussion de ce groupe d’experts :
- Si les musicien.ne.s sont impliqués dans le leadership, ils devraient avoir accès à la formation et aux ressources nécessaires pour être de bons leaders. La formation en leadership ne fait pas partie de la formation musicale, malgré le fait que les musicien.ne.s sont susceptibles de se retrouver dans un rôle de leadership, d’une manière ou d’une autre, à un moment ou à un autre de leur carrière.
- Qu’est-ce que les musicien.ne.s des orchestres et des ensembles apprennent de leurs organisations, et qu’est-ce que leurs organisations apprennent d’eux? Les orchestres ont longtemps prisé la conformité et l’efficacité dans la répétition et la prestation de concerts pour le public. Mais que se passerait-il si nous donnions la priorité à l’expérimentation et à l’apprentissage – par les musicien.ne.s, par le personnel, par les bénévoles – à la place?
- Les orchestres doivent s’ouvrir aux communautés et rester pertinents pour elles. Comment les orchestres développent-ils le talent au sein de la communauté? Chaque orchestre et chaque chœur doit soutenir l’apprentissage par les personnes qu’ils servent, afin qu’ils puissent participer plus profondément à la forme d’art. La façon dont les orchestres s’associent aux universités, aux garderies, et aux écoles est très importante pour qu’ils restent pertinents dans leurs communautés.
Ressources de lecture supplémentaires :
- Global Leaders program
- Models of Self-Governance and Workplace Democracy: a comparison of select orchestras in Germany, the US and the UK by Erin V. Lehman
Dans mon prochain billet de blog, je couvrirai la durabilité environnementale dans les orchestres. En attendant, pour avoir un avant-goût de l’expérience Classical :NEXT en format vidéo, consultez les stories Instagram que j’ai publiées à Berlin!
Nous remercions le Conseil des arts du Canada de son soutien.
