Leçons retenues : Réalisation multi-caméras en direct dans la musique classique – Partie II

Par Boran Zaza, directrice des Communications et du Développement à Orchestres Canada et créatrice de contenu pour musicien.ne.s classiques.

Si vous n’avez pas lu la première partie de cette série de billets de blog, je vous recommande de le faire avant de poursuivre! 

L’une des leçons les plus importantes que j’ai apprises en participant à l’atelier sur la réalisation multi-caméras en direct dans la musique classique, en Suède, en avril dernier, est que la préparation est la partie la plus importante du processus. Mieux vous connaissez la partition, l’orchestre, le.la chef.ffe d’orchestre, la salle de concert, la configuration des caméras et l’équipe de production, mieux vous serez armé pour réussir la couverture en direct du concert. Bien entendu, il était impossible pour nous, les 16 participants du monde entier, de planifier tout cela sans jamais nous rendre à Göteborg ou dans sa célèbre salle de concert. C’est pourquoi le processus de préparation était virtuel, sur le Web!

Se préparer à la réalisation multi-caméras en direct

Avant d’atterrir à Göteborg, en Suède, nous avons participé à un atelier en ligne sur la façon de se préparer à la mise en scène multi-caméras en direct avec de la musique classique. Chaque participant s’est vu attribuer un morceau de musique à diriger en direct à Göteborg – soit pendant la répétition générale, soit pendant un concert de l’Orchestre symphonique de Göteborg. On m’a attribué Sur le même accord d’Henri Dutilleux: Une œuvre magnifique pour violon solo et orchestre, que j’ai eu l’occasion de diriger en direct, avec la fabuleuse Barbara Hannigan au pupitre et John Storgårds au violon.

Simultanément, nous avons reçu un croquis de la disposition des caméras, nous indiquant où les 9 caméras auxquelles nous aurions accès seraient placées le jour du concert.

Exemple de disposition des caméras

La magie des préréglages

Nous savions donc maintenant quelle pièce nous allions réaliser, où les caméras seraient placées – mais une information essentielle restait à venir: Les présélections pour chaque caméra. En tant que réalisateur.trice, vous devez normalement les planifier vous-même. Mais comme nous étions 16 réalisateurs.trices, sans accès préalable à la salle de concert et aux caméras, ces préréglages ont été faits pour nous à l’avance par l’équipe de l’Académie IMZ.

Mais qu’est-ce qu’un préréglage? Dans la mise en scène multi-caméras moderne, il n’est plus nécessaire d’avoir un.e cadreur.euse sur scène : il.elle peut contrôler la caméra à distance. En tant que réalisateur.trice, vous pouvez prérégler tous les angles à l’avance afin que vos cadreurs.reuses puissent y accéder d’un simple clic (plutôt que d’essayer de déplacer manuellement la caméra à la bonne position et de zoomer manuellement)! Vous voulez un gros angle sur la deuxième rangée des premiers violons? Caméra 3 Préréglage 6! Un solo de timbales est sur le point de commencer? Caméra 1 préréglage 30!

Les caméras peuvent souvent avoir de nombreux préréglages. Dans la salle de concert en Suède, chacune des 9 caméras avait entre 25 et 50 préréglages.

Moi (à gauche) avec 3 cadreurs. Nous voyons les préréglages initiales des 9 caméras sur l’écran.

Scénariser la partition

Avec la partition, les angles de caméra et une description de chaque préréglage, nous avions toutes les informations nécessaires pour commencer à écrire la partition que nous allions diriger! Notre approche différait de l’approche conventionnelle, qui consiste à demander au.à la lecteur.trice de partitions d’indiquer quel instrument a un solo à venir et de diriger en suivant le courant. Le fait de scénariser la partition signifiait qu’en tant que réalisatrice, je devais écouter l’œuvre de nombreuses fois, puis prendre des décisions éclairées (et artistiques!) sur la caméra et le préréglage à utiliser à chaque instant – tout en étant consciente de l’impact que mes choix auraient sur les auditeurs. En tant que débutante, il m’a fallu environ 18 heures de travail pour scénariser ma partition pour une œuvre de 10 minutes. Un.e professionnel.le scénarise 10 à 15 minutes de musique d’orchestre par jour.

Exemple de ma partition scénarisée

 

Trucs et astuces pour la scénarisation de partition

1- Assurez-vous que votre marquage est clair, et écrivez une description de chaque angle 

Utilisez un crayon à mine et une règle pour marquer votre partition, ou utilisez votre iPad si vous êtes à l’aise! Rédigez toujours une description de l’angle que vous êtes censé voir, pour être sûr d’avoir la bonne chose à l’écran le jour du concert.  

2- Rythmez votre scénario pour avoir suffisamment de temps entre les différents angles ; même le changement de préréglage prend du temps. 

J’ai appris cette astuce à la dure: J’ai abordé la partition du point de vue d’un monteur vidéo, et comme je suis quelqu’un qui monte habituellement les vidéos après coup, j’ai écrit un script qui comportait trop d’angles de caméra et passait trop rapidement d’un préréglage à l’autre, surtout vers la fin du morceau où la tension montait (et pour moi, cela devait se traduire par plus d’angles de caméra). Cela nous a conduits à devoir abandonner un certain nombre de angles pendant l’événement en direct… nous avons presque tous eu une crise de nerfs en essayant de rattraper le script! Oups! On apprend quelque chose de nouveau tous les jours! 

3- Ne vous contentez pas d’un angle lorsqu’il se passe beaucoup de choses dans l’orchestre. 

Souvent, les prises de vue les plus intéressantes et les plus intenses proviennent de la capture des détails dans l’orchestre. Ainsi, même si vous voyez dans la partition que tout le monde joue et que c’est fortissimo, ne vous contentez pas d’une prise de vue lointaine – trouvez plutôt un détail intéressant d’un musicien expressif dans l’orchestre.  

4- Un “Sandwich de chef.fe d’orchestre” est toujours une valeur sûre. 

Cela est particulièrement vrai si vous avez un.e chef.fe d’orchestre particulièrement charismatique (et j’avais LA Barbara Hannigan). Vous pouvez toujours vous en sortir en faisant un angle stable du.de la chef.fe d’orchestre, en passant à autre chose, en revenant au la chef.fe d’orchestre, en changeant, en revenant au la chef.fe d’orchestre… vous voyez le genre! 

5- Ne pas passer trop de temps sur un gros plan 

Imaginez que quelqu’un se tienne très près de votre visage et vous parle, pendant deux minutes! C’est beaucoup de temps pour que quelqu’un soit aussi proche de vous. C’est la même chose avec la mise en scène multi-caméras! Ne restez pas trop longtemps sur un gros plan sans commencer à dézoomer. Je me souviens que j’avais un gros plan sur le violoniste pendant très longtemps lors d’une section lente de sur le même accord, et cela a mis les spectateurs… mal à l’aise!  

6- Les percussions, c’est toujours une bonne idée! 

Il n’y a jamais trop d’angle de percussionnistes, et ils.elles donnent vraiment de la vie à la vidéo! N’hésitez pas à faire d’autres prises de vue d’eux (et assurez-vous que vous avez bien le BON instrument de percussions dans la prise de vue!)  

 

Restez à l’écoute pour le prochain billet, dans lequel je réfléchirai sur l’expérience de la réalisation multi-caméras en direct d’un concert de l’orchestre, et je vous parlerai de ce que nos amis de l’orchestre symphonique de Saskatoon (qui ont fait le voyage en Suède avec moi) ont fait!

J’ai également documenté l’ensemble du voyage sur Instagram stories! Vous pouvez les consulter ici

Nous remercions le Conseil des arts du Canada de son soutien.

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